グラミー賞

写真: マックス・ワンガー

インタビュー

現代の室内アンサンブル yMusic は、ポール サイモンからジョン レジェンド、セント ヴィンセントまで、グラミー賞受賞者をサポートしてきました。 彼らの名を冠した新しい LP では、彼ら自身が自己完結型の宇宙であることを明らかにしています。

10年半にわたり、yMusicは協力者たちに矢を向けてきたが、ポール・サイモンがそれについて何か言うまでは、主に進行役や強化者として存在することに満足していた。

「ソングライターやバンドと仕事をするたびに、彼らは『それで、いつ自分の曲を書くの？』と言っていました」と室内楽グループのヴィオラ奏者のナディア・シロタはGRAMMY.comで振り返る。 「そして、私たちは『いや、何のことを言っているの？』という感じでした。」

クラシックを知っている人なら、これは当然のことだとわかるでしょう。 しかし、yMusicがディープ・カットを再考した2018年のアルバム『イン・ザ・ブルー・ライト』にサイモンとともに出演したとき、「彼は『アンサンブルとしての自分の声が何であるかを自分で理解する必要がある』という感じだった」とシロタは言う。 「私たちは彼のことを真剣に受け止めました。」

16回のグラミー賞受賞者からの励ましを受けて、yMusicはリハーサルスケジュールの時間を作曲のために分割し、それが5月5日にリリースされた自主的な同名のオリジナルアルバムへの架け橋となった。

YMUSIC は、シロタ、フルート奏者兼ボーカリストのアレックス・ソップ、クラリネット奏者の青森英明、トランペッターの CJ カメエリ、ヴァイオリニストのロブ・ムース、チェリストのガブリエル・カベサスという若い六人組を簡潔な枠組みの中に配置し、それぞれの楽曲の生来の歌いやすさとドラマチックな弧を強調しています。

「私たちが立ち戻り続けた組織原則の1つは、曲の形式というアイデアでした。クールな意味で、それは私たちの一連の作品にとってほとんど異質に感じられたからです」と、2つの金蓄音機を獲得したムースはGRAMMY.comに語った。 「しかし、私たちはソングライターと何度もコラボレーションしてきたので、私たちにとって居心地がよかったです。」

「Zebras」、「Three Elephants」、「Cloud」など、YMUSIC の多面的なハイライトを吸収しながら、グループの 15 年間のクリエイティブな旅、彼らがシンガー/ソングライターに何をもたらし、どのようにしてそれを実現したかについてのシロタとムースのインタビューを読んでください。この統合作業が実現しました。

このインタビューはわかりやすくするために編集されています。

YMUSICのプレスリリースには、「このグループは自分たちだけの芸術的な声を発見することに重点を置いている」と書かれている。

ナディア・シロタ：このグループについて知っておくべき本当に重要なことは、私たちが活動して15年が経ちますが、アルバム以前に私たちが行ったことはすべて他のアーティストとのコラボレーションだったということです。

私たちはたくさんの素晴らしい作曲家、バンド、ソングライターと仕事をしてきました、そして、それらすべての人々と一緒に仕事をするのは喜びであり、喜びでした。しかし、このアルバムにつながるプロセスを開始するまで、私たちはオリジナルの音楽を作成したことはありませんでした。

グループ内の創造性を倍増させるのは本当に素晴らしいことです。 私たちは他の人々とのコラボレーションにおいて常にかなり実践的であり、確かに非常に意見が強く、編集、磨き、再編成に非常に熱心です。

その間ずっと、私たちはこれらのコラボレーションにおいて非常にクリエーターとして関わっていたと思いますが、実際に自分たちで音楽を作ったことはありませんでした。つまり、それがこれについてのことです。

これは過去 15 年間に意図されたものでしょうか? 他のミュージシャンを補強するには？

孤児:そうですね、正直に言うと、その多くは、私たちがこの世界のどこに来たかにもかかわらず、かなり古典的な背景を持っているという事実から来ていると思います。 クラシック音楽の世界では、作曲家か演奏家のどちらかであることが一般的です。

両方のことを明示的に行う人もいますが、パフォーマーとして訓練しているのであれば、通訳として訓練していることになります…。 ブラームス、ベートーヴェン、レベッカ・クラークなどに取り組んでいる人です。

新しい音楽を作っているとしても、作曲家と協力していることになります。 他の多くのニューミュージックアンサンブルと同様に、私たちは若いニューミュージックアンサンブルになったときにそれを受け入れました。

ロブ・ムース：私たちの原点、つまり最初からの使命は、エンパワーメントに関するものだったと感じています。

私たちはフリーランスのパフォーマーとして、ニュークラシックやクラシック音楽の分野でも同様に活動していましたが、ソングライターやバンドとの協力も行っていました。 私たちはクラシック音楽以外で一緒に活動していたグループに対して多大な敬意を払っていましたが、彼らの音楽を誰が演奏しているのか、あるいは共同作業をどのように見ているのかさえ過小評価されているように感じていました。

したがって、グループの DNA に組み込まれているのは、私たちの存在によって高めるのではなく、素晴らしい仕事をしている人々を持ち上げて、それに対して可能な限り最高のプレゼンテーションを提供することを支援するという考えだったと思います。

私たちは、ある意味、常に弱者に興味を持っていましたが、同じように自分自身を見つめるのに長い時間がかかりました。自分たちの声を世に広めることを手伝うことはできるだろうか？

私たちは何年もの間、この瞬間のためにトレーニングをしてきたことに気づいたと思いますし、この新しい役割に足を踏み入れることに本当に興奮しています。

孤児:別の角度から見ると、これらの作品は実際に共同で書かれたものであるということです。 私たちの誰かがたくさんのアイデアを持ってきて、部品を割り当ててそれを考え出したわけではありません。

この活動のごく初期の段階では、私たち 6 人は何もない部屋に入り、ただ何かを作ろうとしていました。その創造的な空間に 6 人という人数は多すぎます。 私たちは皆、それがうまく機能したことにただ喜んでいたと思います。

その後、パンデミックが発生しました。 誰もが別々の道を歩まなければなりませんでしたが、私たちが協力してこの方法を築き上げたので、デジタルスペース上でそれを維持し、これらすべてのものを共同で書き、磨き上げ、記録する方法を見つけることができました。

私が最もよく知っているのは、オッカーヴィル・リバーの『Away』とポール・サイモンの『イン・ザ・ブルー・ライト』でのあなたの仕事ですが、他の多くの文脈でyMusicを聞いたこともあります。 一緒に仕事をする各アーティストに合わせてアプローチや方法論をどのように調整していますか?

ムース：私たちがこれまで一緒に仕事をしてきた各コラボレーターは、私たちが求める結果に近づく方法についての方向性を本当に定めてくれたと思います。

ベン・フォールズとブルース・ホーンズビーは、私たちにとって非常に重要な二人で、私たちが本題から抜け出すのを助け、下調べをしてパートを作成するよう励ましてくれましたが、同時にライブショーやレコーディングスタジオで自由を見つけて、あまり型にはまらない方法で創作することもできました。私たちにとっての道。

ポール・サイモンもそうでしたが、彼はアイデアの編集と洗練に最も細心の注意を払っていました。 それは当然のことです。なぜなら、彼の作品、つまり彼の言葉、ストーリー、彼が生み出したものの構造、音楽のさまざまなスタイルや文化との相互作用を見てみると、そこに欠けている要素があるとは想像もできないほどの徹底性があると思うからです。 。 ある意味、彼は私たちに今この瞬間にいるように、そして同時に顕微鏡下で最もよく見えるよう促してくれたように感じます。

私たちのグループは、常に同じ方法でコラボレーションに取り組んでいると思います。非常に真剣に、喜びを持って、一緒に仕事をしている人たちに敬意を表します。 私たちは、一緒に仕事をしている人々やその聴衆にとって何が最も効果的かについて、彼らからヒントを得ます。

孤児:私たちは、オーディオが先であっても、コードが先であっても、楽譜が先であっても、単なるヴァイブであっても、あらゆる異なるプロセスに適応できることを学びました。

時々、一人で何かを作ろうとしていると、批判脳にはまり込んでしまい、作業が非常に困難になることがあります。 yMusic が連携するために構築したシステムの優れている点は、システムが重要な場所から開始されないことだと思います。たとえ私たちが非常に重要になったとしてもです。

ムース：グループには非常に多くの人がいるが、利点の 1 つは、共同作業者が私たちにしてくれたように、お互いを観察し、お互いからアイデアを引き出すことができることです。

私たちがレコード用に作った音楽の多くは、ウォーミングアップ中の近所の人たちの盗聴に近いところから始まり、「今出したあの音は何ですか? あなたがやっているそのテクニックは何ですか?」というようなものでした。 私たちは、作曲の基礎ではなく、まったく無意味でおざなりだと考えている他の人のアイデアに光を当てることができるでしょう。

それを証しし、奨励できることは、私たちが協力者から学んだことです。 彼らは私たちが自分自身の中にそれを理解するのを助けてくれましたし、私たちも彼らがそのように物事を見つけるのを手助けしたと思います。 したがって、私たちはこれをプロセスの一部として継続することに非常に興奮しています。

yMusic のヴィオラ奏者とヴァイオリニストとして、あなた方 2 人はあなたの相互作用をどのように特徴付け、音楽機械の歯車として機能しますか? あなた方 2 人の間とアンサンブル全体の間で。

孤児:グループ内で時々演奏するリズムヴィオラは確かに一定量あるような気がします。 最も明白な機能があり、次に補助機能があります。

グループ内でベースラインとして使えるツールはチェロとバスクラリネットだけです。 それで、彼らが実際にそのように機能することになる方法がありますが、時にはそれを完全に覆すこともあります。グループの最も幅広いスペクトルはピッコロからバスクラリネットのようなものです。 時々、そのスプレッドを使って少し盛り上げることもあります。 エネルギーを追加したい場合は、非常に良い方法で何かを引き上げるか、何かを引き下げます。

ヴィオラ奏者というのは面白いもので、いつもソースにバターを加えているんです。 必ずしもあなたがそれを考えているわけではありませんが、サウンドに独特の魅力を加えることができる方法があります。 通常、私はほんの少しの質感と興奮を加えようとしているだけです。

時々、ロブと私は成層圏で軽いディスコストリングラインなどを演奏しています。 このグループの働き方にはあらゆる種類の柔軟性があります。 時々、ヴィオラを風側に投げて、フルートとヴァイオリンに弦楽器を演奏してもらいます。 グループには本当にさまざまなオプションがあります。

あなたがこれを知っているかどうかは知りませんが、私たちが作成したインストルメンテーション[のテンプレート]はこれまで存在しませんでした。 そこで、私たちはそれができることをすべて理解しようとするという非常に贅沢な時間を過ごしました。そして、いくつかの素晴らしいことができました。

場合によっては、チェロもヴァイオリンやヴィオラの音域に含まれることがあります。そのため、ヴァイオリンセクションにクレイジーな高弦セクションを設けていますが、私の考えではその音域にあるもので構成されており、もう少しエキサイティングな音色になっています。心。

ムース：ある意味、ナディアさんの役割は、おそらくグループの中で最も多様だと思います。

チェロを使用すると、核となる低音弦、暖かさ、サポートを形成できます。 私のお気に入りの組み合わせは、バス クラリネットとヴィオラ、ホルンを組み合わせて、温かみのある三和音のライフスタイルを実現するものです。 それから、あなたが指摘したように、あなたは私と一緒にオクターブまたはユニゾンで高いものを演奏するでしょう。

場合によっては、ギターやピアノの役割を 2 人か 3 人で表現できることもあります。 私は時々トランペットとフルートを持ったこの明るいチームに参加するのが大好きです。 私の旅の一部は、彼らの音の終わり方を真似する方法を学ぶことでした。それは私たちの音の終わり方に比べて非常に突然です。

y音楽。 写真: マックス・ワンガー

YMUSIC のフレームワークを決定づけた中心的なアイデアは何でしたか?

ムース：必ずしもレコードを書くつもりで始めたわけではありません。 それは、旅を始めて 13 年になる私たち 6 人が、チートシートも準備も共同作業者も何もせずに、リアルタイムで共同で作曲することに決めたらどうなるかを理解するという取り組みのようなものでした。

孤児:何かの始まりにはどんなものでもインスピレーションを与えることができますが、その後、その素材自体が最終的にどこへ向かうのかを決定します。 多くの場合、私たちは最終的に到達した場所ではない何かをやり始めましたが、それが私たちを別の本当にクールな場所に連れて行ってくれました。 それが文章を書くことの本質だと思います。

音楽本当に聴く体験として息づいています。 私の意見では、かなりうまく順序が決められており、ドラマは拡大したり縮小したりしているように見えます。

孤児:それが確かに目標でしたし、このアルバムのためにたくさんの素材があったと言えます。 リスナーにとってエキサイティングかつ優しいと感じられる方法でこの曲をまとめることが目標でした。

私たち 6 人の特徴は、このハイパー ツインランゲージに夢中になり、百合を輝かせたいと願い続け、仕事をしたいと考え続けることです。 その気になれば、死ぬまでこれらの曲をすべて書き直すこともできるだろう。

ムース：そこには、「Baragon」、「The Wolf」、「Three Elephants」など、さまざまな瞬間に到達したいアンカーのように感じられる作品があります。これは、[トラック] 1、4、および 7 番目の構造梁です。

パンデミックが始まる前に私たちが部屋で一緒に取り組んだ最後の作品である「Cloud」という作品で終わることが重要だと感じたと思います。 この作品のアイデアは、不安な瞬間にポジティブで心を落ち着かせ、育成するものを導入しようというものでした。

孤児:興味深いことに、「Baragon」は私たちが最近書いたものの 1 つです。 そこで、私たちは作曲の過程で私たちにとって重要だったこれら 2 つの作品でアルバムを終了し、ポイント A からポイント B に到達する方法を見つけました。

2023 年が近づくにつれて、yMusic ではどのような取り組みが行われているのでしょうか? 最終的には何をしたいですか?

ムース：1月にカーネギーホールで初めてレコード全曲を演奏することができて、本当にエキサイティングでした。

私たちはこの作品をもっと発表すること、特に私たちが行ったコンサートを本当に楽しみにしていることはわかっています。前半は私たちが作曲した音楽で、後半は私たちが本当に尊敬する2人の作曲家による2つの初演です。

重要なことは、そのように仕事と並行して私たちの仕事を聞くこと、そしてそれらを切り離して「前にあれをした、今これをしている、でも、これらすべてが私たちである」のように思うことではありません。

孤児:まだ話せない今後のコラボレーションがいくつかあります。 つまり、ソングライター側の要素が浸透していくのです。

作曲家側で私たちが話せることは、アンドリュー・ノーマンによるこの真新しい大作を近々レコーディングすることと、次のシーズンあたりにガブリエラ・スミスによる新作がリリースされることを楽しみにしているということです。 これに加えて、より多くの内容を書くために、より多くの時間を捻出するつもりです。

このグループの素晴らしいところは、これは常に真実ですが、私たちの誰かがやるべきことはそれだけではないということです。 私たちは常にそれを人生の非常に重要な部分のように扱ってきましたが、私たちは皆他の創造的なことも行っており、それらはまったく同じ領域にあるわけではありません。

ですから、私たちが集まるときは常に新鮮な視点を持って取り組めるのが良いことだと感じています。

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第 58 回グラミー賞ノミネートのブリタニー・ハワード、ショーン・エヴェレット、ブレイク・ミルズらが、アルバム・オブ・ザ・イヤーにノミネートされた「サウンド＆カラー」の裏話を語る

アラバマ・シェイクスのボーイズ＆ガールズは、2012年で最もソウルフルで祝われたデビュー作の一つだったが、フロントウーマンのブリタニー・ハワードと彼女の南部出身の仲間たちがサウンド＆カラーでどれほどレベルを上げるかを予想していた人はほとんどいなかった。 バンドの進化により、第 58 回グラミー賞では年間最優秀アルバム賞や最優秀オルタナティブ ミュージック アルバム賞を含む 4 つのノミネートを獲得しました。

ジャンルの壁をものともしない、広々とした刺激的なサウンドを持つアラバマ・シェイクスの『サウンド＆カラー』は、1年かけて書かれ、レコーディングされた。その間、ハワードはグラノーラバーを隠し持って自宅の地下室にこもり、12時間のソングライティング・マラソンを続けたという。 。 ほとんどの曲は、テネシー州ナッシュビルのサウンド エンポリアムで 2 週間にわたる 4 回のセッションで録音され、その後、ロサンゼルスのオーシャン ウェイ レコーディングで最終レコーディングとミキシング セッションが行われました。 このプロセスには、炉の振動を記録したり、癒しの塗り絵をしたり、自分自身の創造性の世界に逃避したりすることが含まれていました。

続いて、チャートトップのコレクションに携わったハワードとその他の主要な参加者が、アラバマ シェイクスのサウンド & カラーの裏話を語ります。

ブリタニー・ハワード (アーティスト/共同プロデューサー): このレコードが本当に違うと言うよりは、より進化しているとだけ言いたいです。 『Boys & Girls Part 2』のレコーディングは、私にとっては本当に退屈だっただろう。 もっと学び、さまざまなタイプの音楽を学ぶ時間はたっぷりあったし、もちろん私たちの好みは常に成長し続けている。 つまり、このレコードは半分は将来を見据えたもので、半分は過去を振り返ったものでした。 「ずっとこれをやりたかった。ヴィブラフォンが欲しかったし、ストリングス・セクションをアレンジしたかったんだ。」という感じだった。 でも、私はいくつかの楽器しか演奏できないので、「Gemini」のような曲のデモを作成するときは、すべてキーボードで演奏しました。 それからスタジオに入り、それをバンド全体にマッピングする方法を見つけなければなりません。

Shawn Everett (エンジニア/ミキサー): 私はいつも「Gemini」が大好きでした。 最初のデモでは、ブリタニーの声にはこの狂気のデジタルハーモニーがあり、それが彼女を神のような音にしていました。 彼女はすでに神のようだったので、神の二倍といった感じでした。 私たちのバージョンでもその効果に近づけようとしました。 この曲でどこからともなく登場し続けるクレイジーなギターも大好きです。

ブレイク・ミルズ (共同プロデューサー): 一般的に、バンドは自分たちの幅広い影響が必ずしも自分たちの音楽に反映されているわけではないと感じていました。 このレコード以前の彼らのサウンドは、オーケストラのレコーディングに取り組むような、バンドの生の音を捉えようとする試みのように感じられました。 彼らが愛するレコードの多くは、アーティストのリハーサルの録音のように聞こえるのではなく、リスナーを自分たちの作った世界に連れて行こうとする試みのように聞こえます。

ハワード: やっていくうちに間違いなくそれを補っていました。 「スタジオに入るまであと4日あるよ。何曲準備できるかな？」って感じだった。 2つある場合もあれば、1つもない場合もあります。 そんなときは地下室に行って、休むことなく曲を書き続けました。 私は[地下室]でたくさん働いてきましたが、そこにはまだコウモリが住んでおり、小さなネズミの家族がいます。 だから寂しくはなかった。

ロブ・ムース（ストリングス・アレンジャー）：私たちが直面した主な課題は、（アルバムを）「アラバマ・シェイクス＋ストリングス」のように感じさせないことでした。 このアイデアは、付加機能を追加したり、単に高価に聞こえるものを追加したり、ストリングスのようにレコードの感情表現に大きな役割を果たしたりすることではありませんでした。 それは本当に私たちがやりたかった「細部の作業」であり、いくつかのタッチ、特にほとんどのリスナーがストリングスであることを知らないタッチを誇りに思います。

エヴェレット：ロブ・ムースの素晴らしい弦楽器パートに加えて、弦の音を聞いているように思える瞬間がいくつかありますが、実際には炉の振動か、その他の奇妙な音響音がガタガタ鳴っています。 個々の周波数が溶けて歪み、ストリングセクションや別世界のテクスチャーのように聞こえます。

ハワード: スタジオにいると、誰かがスネアドラムを叩く音を1時間半くらい聞いているかもしれません。 それで、それが起こっている間、私たちは塗り絵をしています—ご存知のように、子供用の塗り絵やライオンキングではなく、大人の塗り絵です—そしてアートをしており、ラウンジに座ってカントリーソングを書いています。 そして時々、セッションが始まる前に、私たちはそこに入ってカントリーソングを録音しました。 それからブレイクが入ってきて、「よし、仕事に戻ろう！」ってなります。

Mario Hugo (アート デザイナー/ビデオ プロデューサー): レーベルから新しい音楽を聴きに来てもらったんですが、すぐに魅了されました。 それは非常に視覚的で、謎めいていて空間的でありながら、正直で生々しいものでもありました。 そして挑戦的でもあります。 デザインプロセス全体を通して最終ミックスを聴きましたが、これは非常に珍しいことです。 『Sound & Color』は音楽的に、私にとって最も好きなアルバムの 1 つでした。

ミルズ：これほど恐れることなくオーディエンスに挑戦できる、大成功を収めたバンドを見つけるのは、最近では非常に珍しいことだと思います。 私たちは何も軽視しませんでした、誰も彼らの信念を疑う様子はありませんでした、そして彼らのファンは実際に立ち上がり、その勇気を支持しました。

ムース：バンドには何人かの友人がスタジオに来ていて、南部のごちそうを作ってくれたんですが、それは本当に素晴らしかったです。 スタジオで家庭料理が出てくるなんて見たこともなかったし、その日の雰囲気は私にとってこのバンドのソウルフルで現実的な特質を要約しているような気がした。

ハワード: 私たちは、何かを書いたり、何かを作ったりすることを信じている普通の人々のグループです。 正直に言うと、それは本当に楽しむという点からでした。 有名になるためとか、そういうことではありませんでした。 私たちはギグをしたかったし、それが私たちの目標だったのですが、ギグをする場所がありませんでした。 だから、僕らがグラミー賞（年間最優秀アルバム賞）にノミネートされたのは本当にクレイジーだよ。 それは驚くべきことであり、本当に神聖なことだと思います。 しかし、私たちはここに到達するために本当に一生懸命働きました。 そして、私はこのようなことで私をリラックスさせることはできません。

ビル・フォーマンは、コロラド・スプリングス・インディペンデント紙のライター兼音楽編集者であり、レコーディング・アカデミーの元出版ディレクターです。

第 58 回グラミー賞授賞式は、2 月 15 日月曜日東部時間午後 8 時/太平洋時間午後 5 時からロサンゼルスのステープルズ センターから CBS で生放送されます。

写真：ジェイソン・ケンピン/ゲッティイメージズ

特徴

6 月 8 日から 11 日まで 80,000 人のカントリー ミュージック ファンがナッシュビルを魅了する中、ジャンルのレジェンド、ヒットメーカー、新人がステージの内外からお気に入りの瞬間を再訪して CMA フェストの 50 周年を祝います。

ここは、かつてファンがトレイシー ローレンスとケニー チェズニーの間の愚かなヒモ戦争の集中砲火に巻き込まれた場所です。 ガース・ブルックスが23時間連続でサインをし続けた場所だ。 ここは、クレイグ・モーガンがまだ若いファンだったときにミランダ・ランバートに初めて会った場所であり、パティ・ラブレスが後にコラボレーターとなるヴィンス・ギルからサインをもらうために列に並んだ場所でもあります。 レイニー・ウィルソンはここで、カントリー・ミュージックこそが自分がするために生まれてきたものだと悟ったのです。

その場所が CMA ミュージック フェストで、今年の「究極のカントリー ミュージック ファン エクスペリエンス」は、カントリー ミュージックの中心地、テネシー州ナッシュビルでファンとアーティストが一堂に会する 50 周年を祝います。 元々はファン フェアとして知られていたこのイベントは、ファンに独自の体験を提供するために WSM ラジオとカントリー ミュージック協会によって創設されました。ただし、これはファンが毎年業界で開催されるカントリー ミュージックのディスク ジョッキー コンベンションに参加しないようにするための巧妙なマーケティング戦略でもありました。唯一の毎年恒例のイベント。 現在、毎年、世界中から 80,000 人以上のカントリー ミュージック愛好家が、お気に入りのスターを見るためにナッシュビルを訪れます。

1972 年の最初のファン フェアには 5,000 人のカントリー ミュージック愛好家がナッシュビルの市立講堂に集まり、1982 年までにその成長によりナッシュビル フェアグラウンドへの移転が正当化されました。2001 年にはダウンタウンに移転し、日産スタジアム、リバーフロント パーク、ミュージック シティなどの多くの場所を占めました。センター — 正式には CMA ミュージック フェスティバルとなり、その後 CMA フェストとなりました。

「CMAフェストの成功の秘訣は、オリジナルのファンフェアを保存することです」とCMA CEOのサラ・トラハーンはGRAMMY.comに語った。 「ファンとアーティストの間の伝統と独特のつながりはイベント全体を通して称賛され、『私はリバーフロント・ステージでプレーした、あるいは日産スタジアムでプレーし、その一員だった』と言えることはアーティストのキャリアの重要な部分となる」テレビ番組の。 今日の CMA フェストの魔法は、50 年前に作られた歴史と心から生まれています。」

トラハーンは、ファンにとって CMA フェストがいかに重要であるかを目の当たりにしており、毎年の彼女の個人的なハイライトの 1 つはサプライズの座席アップグレードです。 「私が特に覚えているのは、ある年、スタジアムの問題に基づいてフロアの配置を変更したことだ。あるファンは、私たちが彼女を近いセクションに移動させたにもかかわらず、私たちが席を移動させたことに特に腹を立てていた」とトラハーンは振り返る。 「後で、彼女が夫の遺骨を持ってきて、その一部をスタジアムの座席の下に置いていたことが分かりました。なぜなら、夫婦はよく一緒にファンフェアに来ていたからです。私たちのイベントが本当に人々の一部になる力があることを改めて感じました。」生きています。」

それはカントリーアーティストのキャリアの構造の一部にもなります。 CMA フェストは、多くのアーティストが発掘され、初めてパフォーマンスを披露し、マイルストーンとなる成果を祝い、ファンと貴重な思い出を作る場所です。 モーガンが言うように、「CMA フェストでパフォーマンスするとき、あなたは自分を最も愛している人たちのためにパフォーマンスしていることを知っています。」

CMAフェストが6月8日に50回目の開催を開始する前に、カントリー・ミュージックのレジェンドと新人の何人かが、CMAフェストでの最も大切で陽気で、時には恥ずかしい思い出を共有した。

グラハム・デローチ: CMA Fest を初めてプレイしたのは、控えめに言っても満足でした。 私たちはショーまでの数か月間、ステージの上でもスタジオでアルバムを制作しても、自分たちのサウンドに磨きをかけ、アーティストとしての自分を理解することに真剣に取り組んできました。 雨が降りそうになったのを覚えていますが、天気が回復し、ようやくステージに立ったとき、バンドとして決定的な瞬間がありました。 これまで以上に力を入れて、本物の音楽を聴きに来た本物の観客に向けて演奏しています。 それは、私たちが何年も前にアメリカ中をツアーしていたバールームとは大きな変化でした。 したがって、私たちは最初の CMA フェストを A Thousand Horses の決定的な瞬間として位置づけます。

マイケルの趣味:私のお気に入りの思い出は、2015 年に遡ります。私たちはナッシュビルのブリヂストン アリーナのすぐ外にあるシボレーのステージでパフォーマンスをしていました。 外はとても暑く、太陽が照りつけていましたが、雰囲気は依然としてファン全員の興奮で賑やかでした。 それはバンドとして僕らにとって大きな瞬間だった。 私たちのデビューアルバム「Southernality」が世界に紹介され、シングル「Smoke」がNo.1になったばかりでした。アルバムが発売されたばかりのとき、観客が私たちのすべての曲の歌詞を私たちに向けて歌ってくれたのを聞いたことは決して忘れられません。数日。 その日は、私が音楽について愛するすべてが揃っていました。人々を動かし、団結させ、忘れられない共有の瞬間を作り出す音楽の力です。

ビル・サッチャー：ある年、サインブースで、ファンが私たちにサインをして腕にバンド名を書いてほしいと頼んできました。 その後、彼女はその日のうちにタトゥーを入れに行くつもりだと私たちに言いました。 案の定、彼女は翌年も同じサインブースに来て、私たちの手書きのバンド名を腕に書いてもらいました。

ファンフェアは、キャリアの初期の私たちにとって常に特別な時間でした。 私たちはショーをするために外出しており、母のフランシスは、いとこのシルビアと二人の長男、ジェシーとノアを乗せて、ファンフェアのブースを飾るためにナッシュビルに向かったのです。 私たちはそこで彼らに会い、その後の数日間はイベント中毎日何時間もファンと会って挨拶を交わしました。

私たちは今でも友人であり続けている多くのアーティストに会いました。 私たちはファン・フェアでフォレスター・シスターズにも会い、最終的に一緒にデュエット曲「Too Much Is Not Enough」をレコーディングすることになり、それがナンバーワンになりました。

ファン フェアが終わると、私たちはフォート ペインで開催されるアラバマ州のジューン ジャムに向かいました。 私たちは CMA フェストも楽しんでいますが、毎年この時期はヨーロッパに行くことが多いので、以前ほどはヨーロッパに行けなくなりました。

私たちの母はかつてその時期に生きていました。 彼女は私たちのブースを設営し、新旧のアーティストに会うのが大好きでした。実際、おそらく彼女は私たちよりも多くのアーティストを知っていたと思います。 私たちは今でも、母のことを当時から知っている人々に出会うことがあります。

(LR) ファン フェアでのフランシス ベラミーとロレッタ リン。 写真: デビッド・ベラミー提供

オーク リッジ ボーイズの歴史は、当時ファン フェアと呼ばれていたものの始まりにまで遡ります。 当時の私の最も楽しい思い出は、1982 年に「エルヴィラ」と「ボビー・スー」の直後に演奏したことです。 ショーやサインブースに人が集まっているのを見るのは素晴らしかったです。 何年も経った今でも時々参加していただけることに感謝しています。

ベン・チズム：私たちが CMA Fest に参加するのは今年が初めてです。 私にとって、クリスにとって、そして私たちの家族にとって、それは世界を意味します。 CMA Fest に招待されたというメールを受け取ったとき、私は妻にそのことを話しましたが、彼女はただ飛び跳ねていました。 彼女はこれを 10 年間待っていました、そして私も同じです。クリスも同じです。 この 25 分間のセットを見るために全国から家族がやって来ます。それは、私たちにとっても同じくらい彼らにとっても意味があるからです。

外に出てCMAフェストの人々に会えるのは本当に素晴らしい気分だ。 それが私とクリスがいつも言っていることの最大の言葉です。「怖がらないで、私たちのところに来て、私たちに話しかけてください。私たちは散歩に行き、一日中あなたと話します。」

クリス・ラモス：ミュージシャンとして成長してきた私は、CMA フェストに出演することがこれまでで一番クールなことだといつも思っていました。 それは間違いなくキャリアを決定する瞬間です。 「私のキャリアを決定づけた瞬間は、日産スタジアムでヘッドライナーを務めたときだ」といろんな人が言いますね。 それはわかりますが、途中でこれは、そうなったとき、絶対にやりたいことリストの項目の 1 つです。 少し時間をとって、CMA から CMA フェストに招待されたという事実を理解したいと思いました。 キャリア上の願望が実現していることについて話してください。

私の最初の CMA フェストの経験は、非常に非伝統的なものでした。昨年は私がパフォーマンスするだけでなく出席するのも初めての年でした。 私はシボレー・リバーフロント・ステージとメインステージで私のお気に入りのバンドの一つ、Lady Aと一緒に演奏する機会に恵まれました。 それはクレイジーな経験でした。

シボレー・リバーフロントのパフォーマンスの前にも、何か面白いことが起こりました。私はステージに上がろうとしていて、眼鏡を壊してしまいました。 予備を持っていなかったので、パフォーマンスのためにスタイリストのサングラスをかけなければなりませんでした。 とにかく素晴らしい時間でした！

これまでの CMA フェストでの一番の思い出は、レーベル仲間と一緒にアセンド アンフィシアターで演奏したことです。 ワーナー ミュージック ナッシュビルは素晴らしいラインナップを揃えました。これは私にとって決して忘れられないショーです。CMA フェストは非常にユニークです。なぜなら、週末に非常に多くのアーティストと非常に多くのファンが 1 か所に集まるからです。 ファンと交流し、決して忘れられない思い出を作ることができる素晴らしい機会です。 全国各地のファンに会って、CMA フェストで私たちを見つけた経緯を聞くのが大好きです。

私が初めて CMA フェストに出演したのは 2014 年、ミュージック シティ センターの CMA クローズ アップ ステージでした。それは素晴らしかったです。 ナッシュビルというショーがテレビ視聴者やナッシュビル市自体に受け入れられていたのと同じくらい、そのパフォーマンスが、おそらく最も重要なグループ、つまりカントリー ミュージック ファンの間でどれほど人気が​​あるかを初めて体験しました。 場所は満員で、ファンは素晴らしかった、そして私は彼らと一緒にそこにいて、私の曲とディーコンの曲も演奏できて幸せだと感じました。 今でも思い出すだけで微笑んでしまいます。

私の好きな瞬間を簡単に言うことができます。 それは2016年のことだった。他のみんなと同じように、私も最近、私をナッシュビルに連れてきて人生を完全に変えた番組『ナッシュビル』がABCでシーズン5に出演しないという悪いニュースを聞いた。 それは、番組に携わった私たちだけでなく、実際のナッシュヴィルの人々や、番組をとても愛するようになったカントリーミュージックのファンにとっても、飲み込むのが難しい薬でした。

私にとって、その日、CMA フェストでパフォーマンスするためにリバーフロント ステージに足を踏み入れたことは、少なからず慰めになりました。 それは暑いながらも美しい夏の午後で、川岸は素晴らしいナッシュビルのファンで埋め尽くされていましたが、私と同じようにまだ別れを告げる準備ができていないようでした。 彼らは愛を注いでくれた。共演者のクレア・ボーエンとクリス・カーマックを連れて数曲歌わせたときはなおさらだった。 彼らは歓声を上げ、すでにとても懐かしかったショーのお気に入りの曲を私たちと一緒に歌いました。 それは信じられないほど思い出深いものでした。

しかし、それが最高に、はるかに最高に大きかったのは、CMTのレスリー・フラムとコディ・アランが私と私の友人たちと一緒にステージに上がり、実際にはナッシュビルは終わらないというサプライズ発表をしたときでした。 まだ！ CMT はシーズン 5 [そして最終的にはシーズン 6] でそれを採用していました。 群衆は熱狂した。 そしてショーは続きました！

ジェニファーと私は6月11日に結婚したので、私たちの記念日はおそらくファンフェア/CMAミュージックフェストの期間中に上陸するでしょう。 私たちの最初の記念日ではないにしても、初期の記念日の 1 つとして、私はファン フェアに参加しました。 もちろんジェニファーも一緒でした。 私は働いています。 それはフェアグラウンドでした。 私たちはジュース・ニュートンと契約したばかりで、彼女はそれが私たちの記念日であることを知りました。 彼女は「The Sweetest Thing」を歌い、私たちに捧げました。 それはとてもクールで、彼女にとってはとても優しかったです。

ナッシュビルに到着した最初の夜のことは決して忘れられません。 CMAフェストの火曜日でした。 私はブロードウェイに歩いて行きました、そしてそれは私がオーストラリアの田舎の少年のミュージカルの夢をすべて一度に実現したかのようでした！

初めてファンフェアにブースを出展したときのことを覚えています。 とても興奮しました。 その年のアラバマは大成功を収め、ファンは彼らを求めて叫びました。 その後すぐに、私のレコードはチャートのトップに上り詰め、数年間彼らのすべてのコンサートのオープニングを務める予約が入りました。 私にとって何というスリルと大きな後押しだろう。 とても感謝しています！

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はるか昔、ファン フェアがまだテネシー ステート フェアグラウンドで開催されていた頃、私は RCA レコードのブースで他のアーティストたちとサインをしていました。 この女性が電話で来て、私は彼女のために何かにサインしていて、一緒に写真を撮ったと思います。 それから彼女は私に「いつか一緒にレコーディングするつもりよ」と言いました。 そして私は「まあまあ」と思いました。 その女性はパティ・ラブレスだったことが判明！ 結局、私たちは最初のNo.1ヒット曲を含む、お互いのレコードの多くで歌うことになりました。 彼女は「When I Call Your Name」でハーモニーを歌い、私は彼女のシングル「Timber I'm Falling in Love」で歌いました。

1995 年に初めて参加したファン フェアのことを鮮明に覚えています。列が長すぎて信じられなかったからです。 サインをしながら8時間もいたと思います。 びっくりしましたし、ただただ感謝でした。 私はまだとても若く、世間知らずの田舎少年でした。そして、私を出迎えようとしてこんなにたくさんの人がそこに立っていることに、本当にびっくりしたのを覚えています。

カントリーファンは最高です！ ある年のことを覚えています。ツアー中にあまりにもいないことについて話したことがあるのですが、家に帰って靴下などを洗う時間がなかったのですが、突然、すべてのショーで下着と靴下を買い始めました。しばらく。 かなり面白かったです。

私はレコード契約に署名する前にCMAフェスト（当時はファンフェアと呼ばれていた）に何度も行っていたが、1995年は違った。 私の最初のシングル「ホワット・マタード・モスト」がナンバーワンになったばかりで、それを演奏するために集まった6万人の観衆を見渡したとき、私は気持ちを抑えることができませんでした。 涙が込み上げてきて、歌を歌い通すのが精いっぱいでした。 人々が私の歌詞を歌ってくれるのを聞くのは、今でも最高です。 言葉では説明できません。

CMA Fest 2022 での HunterGirl (R) とその母親。写真: HunterGirl 提供

昨年最も面白かったファンの交流は、サインブースでの握手会でした。 誰かがやって来て、写真にサインするように頼んだので、下を見ると、それは私が高校時代に自分の音楽を宣伝するために使った古い写真でした。 すると、次から次へと同じ写真を持ってきてサインをする人がいたので、「これどこで買ったの？」と聞いてみました。 彼らは皆、「後ろの隅にいる女性が配っていた」と言います。 見渡すと、母が会う人全員にそれを配っていました。 まるでブロードウェイでミックステープを配っているようなものだった。 こんなに笑ったことはありません。 私の母は最高です。

私がスタジアムを作った最初の年はとても素晴らしかったです。 私とハンク・ジュニアは「ボーン・トゥ・ブギー」を作りました。 それは私と彼とジャスティン・ムーアでした。 ハンク・ジュニアを聴いて育ったし、一緒にツアーをしたこともあって、素晴らしい仲間意識があったから、それは本当に素晴らしかった。 それから「Buy Me A Boat」をやったのですが、それがちょうど1位になったばかりだったので、とてもいい時間でした。

楽しいファンとの出会いもたくさんありました。 私はとても気楽なんですが、人は時々挨拶するのをとても怖がります。 時々私もそれに気づくので、彼らが挨拶したいのか、写真か何かが欲しいのかがわかるので、会話を始めます。 そして、ルークはいつも人々にとても優しいので、私はいつも自分自身に「ルーク・ブライアンになろう」と思います。 だから私はいつも彼のような人たちを手本にしようとしてきました。 彼はそのための素晴らしいテンプレートです。 自分が扱われたいように人々に接しましょう。

だから、誰かが話したがったり、写真を撮りたがりそうなのに、邪魔したくないから通り過ぎさせようとしているのに気づいたら、私はこう言います。「ねえ、聞いて、あなたは違うわ」 」 99パーセントの場合、人々がどれほど敬意を持っているかは感謝していますが、私が歌を歌い、ヒット曲を出し、世間の注目を浴びているからといって、私が普通の人間ではないというわけではないということにも腹が立ちます。 私はおそらく私が知っているほとんどの人よりも普通なので、もし私を見かけたら、来て声をかけてください。

私の一番の思い出は、ファンフェアと呼ばれて博覧会会場で開催されたときのことです。 すべてのアーティストがブースに割り当てられ、私たちは 2 ～ 3 時間のサインと出演とパフォーマンスで構成される 1 日中そこにいました。 すべてのアーティストがブースのセットアップでお互いを上回ろうとします。 お互いにいたずらしたりもしました。 あるとき、ケニー・チェズニーと私はブースの向かい側で、くだらない口論を繰り広げました。

私が初めてパフォーマンスしたのは、1992 年にフェアグラウンズでした。メイン ステージがレース トラックに設置され、私のプロデューサーのジェームス ストラウドが、スティックス アンド ストーンズの金メダル獲得を祝うために青いハーレー バイクを私にくれました。 それで、それは最悪ではありませんでした。

1992 年のファン フェアでのトレイシー ローレンス。写真: トレイシー ローレンスの提供

初めて CMA ミュージック フェストを開催したとき、スタジアムのショーでジョシュ ターナーと共演することができました。それは決して忘れられない瞬間でした。 何年にもわたって、私は CMA ミュージック フェストでさまざまなイベントに参加してきましたが、いつも楽しかったです。 参加するファンは素晴らしく、音楽が本当に隅々まで溢れています。 CMA ミュージック フェスティバルの歴史の一部になれることを嬉しく思います。 このイベントはまさに伝説的です。

ファンはカントリーミュージックが大好きで、とても献身的です。 私が最もよく覚えているのは、ファン フェアのポリグラム/マーキュリーのブースに約 2 時間座って、おそらく 1 枚のサインにサインしたことです。 あるとき、ママが私と一緒にそこにいて、私の前に小さなシャーピーと小さな写真の束を置いていたのに、誰も来ませんでした。 最後に、この男性と女性は私の頭上で私の名前を見上げ、私を見て私の方に歩いてきて、ママが「準備して！準備して！」と言いました。 そして彼らは私のほうに歩いてきました。 私は「手伝いましょうか？」と言いました。 「トイレがどこにあるか知っていますか？」と彼らは言いました。 以上がファンフェアの紹介でした。 （笑）

ブロードウェイ、テレビ、映画、衣料品など、私が関わってきたあらゆるジャンルの中で、田舎の人たちがどれほど親切か、ファンがどれほど感謝しているか、そしてアーティストもファンを大切にしていると、誰もがいつも言います。 したがって、CMA フェストに戻ると、アーティストがファンをどれほど感謝しており、カントリー ミュージックのファンがアーティストやエンターテイナーをどれほど感謝しているかが強調されます。 私はカントリーミュージックの一員であること、そしてお互いを当然のこととは思っておらず、お互いを認め合うグループの一員であることを誇りに思っています。

私のCMAフェストの一番の思い出は、母と一緒に行ったファンクラブパーティーです。 彼女は何か月も前から彼らのために準備を整え、ファンがその愛で彼女に大きな喜びをもたらすのを見ることができました。 思い出をありがとう。 それらは私たち二人にとってとても意味のあるものでした。

ある年、私は足にギブスをしてスタジアムでプレーした。 骨折した足をスタジアムの側面にぶら下げてトラスをよじ登っている私の写真がどこかにある。

若い頃に CMA Fest に参加したとき、若い女性にサインを求められたことを覚えています。 私は彼女のために何かにサインし、数分間おしゃべりしました。 数年後、その若い女性はカントリー ミュージックの大スター、ミランダ ランバートになりました。

またCMAフェストに出演できることをとても楽しみにしています。 去年、私はファン フェア X のスポットライト ステージに出演しましたが、それはファンが私の曲を歌い返してくれたのを初めて聞いたときの 1 つでした。 今年はシボレーリバーフロントステージと日産スタジアムプラットフォームステージでプレーすることができて本当にエキサイティングです！

生のカントリーミュージックを聴くために世界中からファンが集まるイベントは他に思いつきません。 文化的、地理的に異なる人々が集まり、お気に入りの曲やアーティストへの愛を分かち合うのは、とても特別なことです。 初めて CMA フェストを完全に体験し、ラインナップに少し西部劇を加えるのが待ちきれません。

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私のお気に入りは最初のもので、ダウンタウンにあったのは初めてだったと思います。 私は21歳でマーキュリー・レコードに所属していた。 私はマイケル・ジャクソンのノースリーブのTシャツを着ていましたが、それは故郷の友人から借りたものでした。 とても緊張しましたが、あれほどの観客の前で演奏するのは本当に初めてだったのを覚えています。 私は何日もアドレナリンが高揚していました！

私と CMA フェストには長い歴史があり、90 年代後半、96 年から 97 年まで遡ります。 私は長い髪とカウボーイハットをかぶっていました。 私はおそらく18歳でキャリアを始めました。 ブースを出展させていただきました。 当時はそうやってやってたんですね。 本当に暑い建物の中にブースを置き、そこに座って一日中汗をかきながらこう言いました。 」 （笑）

これらはファン フェアに関する私の最初の思い出であり、CMA フェストとともに何年も活動を続けるにつれて、最近の CMA フェストの周囲にはまったく異なる雰囲気があることに気づきました。 それは大きなショーであり、大きなスタジアムでのショーはいつも私のお気に入りのショーの一つです。

私たちはCMAフェストのスタジアムで4万人の観衆の前で「テキーラは服が落ちる」をデビューさせ、雨の中で歌ったと思います。 CMA フェストでは、リバーフロント、スタジアム ステージ、ブリヂストン前の CMT ステージのすべてのステージでパフォーマンスを行ったことがたくさんあり、どれも楽しかったです。 それが CMA フェストの素晴らしいところです。非常に多くのファンがいて、さまざまなことをやっているので、どこにいても大観衆が集まるでしょう。

私のCMAフェストの一番の思い出は日産スタジアムです。 ルーク・ブライアンと私は実際にその放送を共同司会することができましたが、それはとても素晴らしい瞬間でした。 リハーサル前には会うことすらできなかったたくさんのアーティストと話すことができたし、明らかにルークと共同司会を務めるのはとても楽しかった。

何年にもわたって、私はファンとたくさんの面白い交流をしてきました。 しかし、私にとって最も恥ずかしかったのは、「ねえ、これにサインしに来てくれませんか？」と言う男がいたときのことでした。 彼が自分のバイクを指さしているのではないかと思ったので、私はシャーピーを手に取り、彼のバイクのバンパーにサインをしました。 それから、（兄弟の）リードとニールが私に、彼が実際にバイクの上に敷いたTシャツを指さしているのだと指摘しました。 実際、彼は私がリアルタイムでそれをしているのを見ていなかったので、私は彼にどう伝えればいいのかわからなかったので、どうすればいいのかわからず、おずおずとツアーバスに這って戻りました。

数年前、私は大勢のファンにコディ・ジョンソンと間違われました。 私はそれに同行しただけです。 （笑）

ファンとして、モーガン・ウォーレンが雨の中リバーフロント・ステージでパフォーマンスするのを見ましたが、それは信じられないほど素晴らしかったです。 当時、彼のヒット曲は「Up Down」だけでしたが、それはいつも私に仕事と成長を続けるインスピレーションを与えてくれます。 1 曲や 2 曲でどこに行くかわかりません。 アーティストとして、昨年スタジアムで演奏することができたこと、つまりアーティストとして初めて CMA フェストに招待されたことはとても謙虚なことであり、やりたいことリストから大きく外れました。

とても多くのファンがいつも腕にサインを求めてきて、タトゥーを入れてもらうんです。 とてもプレッシャーですが、同時に楽しいです。 コミットメントは常にレベル 10 です!

CMA フェストの最初の思い出の 1 つは、12 歳くらいのときにキース アーバンがスタジアムで演奏するのを見たことです。私は若かったですが、その頃にはすでに音楽が自分の人生になると分かっていたので、同じくらい学ぶつもりで参加しました。彼のライブショーからできたように。

彼があの巨大なスタジアムをいかに小さく感じさせたかを私は鮮明に覚えている。 アーティストとして観るのを忘れて自然とファンとして観てしまうほど、エンターテイナーとして優れたアーティストはなかなかいないが、彼もその一人だ。 彼はとても魅力的だよ。 いつか自分の音楽について多くの人にそのように感じてもらえる機会があればいいのにと願ったのを覚えています。

CMA Fest を特別なものにしているのはファンの存在です。 彼らは音楽とアーティストに対して信じられないほど情熱を持っています。 そんなものはありません。 彼らはあなたのためにそれ以上のことをしてくれるので、あなたも彼らのためにさらに上を行きたいと思うでしょう。 私が最初に出演した CMA フェストの 1 つで、うんこ絵文字の帽子をかぶって私のパフォーマンスを毎回見に来てくれた男性がいました。 彼を見逃すわけにはいかないでしょう。 彼が入ってくるたびに、気持ちをまとめることができなかったことを覚えています。ただ最高にばかげた陽気な出来事で、私たちはそれを介してつながりました。 まだ忘れていません。

1972 年の第 1 回ファン フェアでサインするジーニー シーリー。写真: Barry Amato

最初のファンフェアを振り返ると、こんなにたくさんの素晴らしいファンを一度に楽しませることができて、とても興奮したことを覚えています。 また、あまり会えないアーティストや、初めて会ったアーティストも含めて、たくさんのアーティストと一緒に時間を過ごすことができてとても楽しかったです。 他の皆さんのパフォーマンスを見て畏敬の念を抱き、ジャック・グリーンと一緒に新しいパッケージショーを披露できることを誇りに思いました。

ドッティ・ウェストと私は、それを理解しようとする人々の困惑した表情を眺めるために、お互いのふりをして楽しい時間を過ごしました。 私たちはお互いに何人かのDJのラジオプロモーションをしたこともありました。 当時はアーティスト同士の仲がとても良くて、一緒にいてとても楽しかったです。 ファンフェアも私たちにその機会を与えてくれました。 たくさんの物語が語られ、ギターを引っ張ったり、服や宝石を共有したり、思い出が作られました。 時々、ファンも私たちと同じように楽しい時間を過ごしたのだろうかと思うことがあります。

CMA Fest での私の一番の思い出は、さまざまなステージをプレイできたことです。 彼らは皆、それぞれのやり方でクールです。 私はフェストでソロアコースティックを演奏し始めましたが、ファンは通常、新しいアーティストや曲を聴きに来るので、それは楽しいです。 今度はフルバンドでシボレーリバーフロントステージで演奏することができて、できれば観客も一緒に私の歌を歌ってくれることを願っています。それはとても素晴らしいパーティーです！

私たちがナッシュビルを初めて訪れたのは、CMA フェストのためでした。 私たちの友人は結局スタジアムショーの最終日のチケットを2枚余分に持っていたのですが、そのときは土砂降りの雨でした。 史上最も魔法のようなフェスティバルで、他の 60,000 人のカントリー ミュージック ファンと一緒に日産スタジアムに来られたことを私たちは今でもとてもうれしく思っています。 信じられないくらい人が集まっていました！ 私たちはゴミ袋を頭からかぶり、自分たちが育ったカントリーソングを一晩中歌いました。

私たちは最近初めてロンドンで演奏しましたが、CMA フェストで私たちが演奏するのを見るのが待ちきれないと何人かの人に言われました。 このイベントがいかに世界規模であるかがよく分かりました。

いや、一夜にして何者でもない人になったのは人生を変えるような出来事だったし、アメリカン・アイドルで優勝した直後にCMAフェストに直行したんだ。 たくさんの人が私を認識し、道で呼び止め、私の歌を一緒に歌っていたことに驚きました。 決して忘れられない信じられない感覚。

CMA Fest での私の最も記憶に残る経験は、本当に魔法のようでした。 2022年にステージに立ってパフォーマンスをしようとしていた直前に、娘が陣痛を起こしているという連絡を受けました。 家族が増え、もうすぐ祖父母になると知って、とても胸が高鳴るような感情でした。 その瞬間、私は信じられないほどの喜び、愛、そして期待で満たされました。 人々を結びつけ、一生続く大切な思い出を作る音楽の力を思い出させてくれました。

私は 14 歳の頃から CMA フェストに毎年行っていました。両親が私を連れて行ってくれたので、文字通りインスピレーションを得ることができました。 彼らは本当に私のためだけの家族旅行のようにしてくれました。 私と私の家族にとって、それはカントリーミュージックのクリスマスのように感じられました。

ついに CMA Fest をプレイすることができたとき、私は長い間それを夢見ていたので、正直言って、それは幽体離脱のような体験の 1 つであるように感じました。 毎年夏になると、私たちはそこに行き、そこに座っていました。 私が興奮して飛び跳ねたりはしませんでしたが、母は私を見て「楽しんでる？」って感じでした。 実を言うと、私はただ浸っていただけなのです。 私は叫び声を上げたり叫んだりしていませんでした。 私はただ学ぼうとして、リバーフロントのステージやハードロックのステージにいる人々を観察して、その夜スタジアムに行ってちょっとしたヒントやコツを学ぼうとしていたんだ。」 私は本当に自分自身を教育していましたし、そのすべての瞬間が大好きだったので、実際に自分でそれを行う機会を得たとき、「やった！到着した！」と感じました。 道のりは長いですが、正しい方向に向かっています。

カントリー ミュージックは人々を結び付けます。 もちろん、カントリー ミュージックのフェスティバルは、そのルーツがある場所ならどこでも特別ですが、その音楽が作られた街の人々の前で演奏することにはとても魔法のようなものがあります。その街には、その音楽を推し進め、演奏した人々のチームがいます。あの曲で。 CMA フェストのために街に繰り出すとき、誰もがそう感じます。 違う種類の方法でそれを心の底から感じます。

好きな思い出は数え切れないほどたくさんありますが、私がアーネスト・タブ・レコード・ショップ・ミッドナイト・ジャンボリーを復活させ、ヴィンス・ギル、ブラザーズ・オズボーン、ブランディ・クラーク、エリック・チャーチらを世界初のカントリー・ミュージックに導いた年を取り上げる必要があります。ブロードウェイのロウアーにあるレコードショップ。 観客は屋内に詰め込まれており、空調が効いていても気温は 115 度以下でした。 CMAフェストを3夜連続で中止したとき、私たちは馬に乗った警官を前に出させた。 その土曜日の朝、寝る前に太陽が昇るのを見ました。 ついに日曜日の朝、ドーナツとジャムのファンパーティーの時間になりました。当時私は新しく飼っていた子犬、ペギー・スーを連れて、かろうじて間に合いました。

私のお気に入りの話の 1 つは、ソロ アーティストとして CMA フェストに参加した最初の年の話です。 私は自分の人気に少し自信過剰でした。 歩道でカップルが私に近づき、一緒に写真を撮ろうとしているかのようにカメラを向けていました。 写真を撮ってサインをしようと私が彼らに近づくと、彼らは私の後ろにいたエルヴィスの物まね芸人を指差し、「エルヴィスと一緒に写真を撮ってもいいですか？」と尋ねました。 （笑） 謙虚さの教訓、教えておきます！

CMA フェストがユニークなのは、カントリー ミュージック コミュニティのようなコミュニティは他になく、ナッシュビルのような場所も他にないからです。 私たちのビジネス全体はアーティストとファンの緊密な関係に基づいて構築されており、CMA フェストは基本的にナッシュビルで毎年開催されるオープンハウスです。 感謝と感動と愛の精神が漂っているのが感じられます。 歌手として、カントリーミュージックに携わることができてどれほど幸運であるかを思い出し、ファンとしても、カントリーミュージックが自分の人生のサウンドトラックであることがどれほど幸運であるかを思い出させられます。

私は南カリフォルニアで育ったので子供の頃にナッシュビルに来たわけではないので、ここに引っ越してから CMA フェストのことを知りました。 アーティストとしての私にとって、それは常にやりたいことリストのひとつでした。 私がパフォーマンスをすることになった最初の年、土壇場で私のセカンドシングル「In Case You Didn't Know」がその週No.1になるという連絡を受けました。 私は日産スタジアムで演奏する予定はなかったのですが、彼らは「国内ナンバーワンの曲が演奏されないわけにはいかない」という感じでした。 彼らは「あと2日しかないのは分かっているが、ブレットがその1曲のために日産スタジアムの真ん中にあるポップアップ・ステージで演奏してくれるだろうか？」と尋ねた。 当時私はノースカロライナにいたのですが、答えは明らかにイエスでした。 私たちはバスで戻り、日産スタジアムのフィールドの真ん中にあるこの小さなステージに現れ、国内でナンバーワンの曲を演奏することができました。 本当にかっこよかったです。

私の一番の思い出は、おそらく子供の頃に行ったことです。 私が本当に幼い頃、母が私を連れて行ってくれたときは本当に大変でした。 博覧会会場に戻ったときによく行きました。

初めて演奏したのは本当に昔のこと。 本当に小さなアコースティックライブでした。 リバーフロントでスタジアムまでプレーするのは全く違ったものだった。 それは間違いなく私が楽しみにしていたことであり、どこにいても CMA フェストのステージに立つことができてなんてクールだろうと思ったのを覚えています。

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写真：アンディ・ポリット

インタビュー

ジェリー・ロールが最新LP『Whitsitt Chapel』で正式に田舎の領域に足を踏み入れると、ラッパーから田舎のスターに転身した彼はまるで変わった人間のように感じており、道に迷っている人々に希望を与えることを目指している。

ジェリー・ロールが娘のベイリーと一緒に初めて教会に行ったとき、彼は救いを求めていませんでした。 しかし、教会の信徒席に座っているとき、彼は自分自身の救いと宗教との関係の物語は、共有する必要があるものであることに気づきました。

「宗教を除けば、救われることができるという考えは素晴らしい考えです。私たちが誰であるかは、実際の私ではないという考えは非常に強力です」とジェリー・ロールはGRAMMY.comに語った。 「その瞬間、私は『自分の宗教の旅、精神性の旅、救いの旅、悪行の旅を概説するような、コンセプチュアルなアルバムを書きたい』と思った。」

ジェイソン・デフォードとして生まれたジェリー・ロールは、連邦刑務所を出たり入ったりして10年を過ごし、2008年にベイリーが生まれたとき投獄されていた。ベイリーの誕生は、2011年にラッパーとして音楽キャリアをスタートさせた歌手にとってターニングポイントとなった。 , テネシー州出身の彼は常にカントリーミュージックが大好きで、自分が歌えることに気づいたとき、カントリーソングの作曲に挑戦しました。

続いてリリースされたのは、ジェリー・ロールの最初のフルレングス・カントリー・アルバム、ホイットシット・チャペルだ。 彼が14歳のときに洗礼を受けた教会の名前にちなんで名付けられたこのLPは、彼自身の人生の物語と宗教との複雑な関係を、控えめで正直かつざらざらと解剖し、時には非難するものである。 「セーブ・ミー」で「誰か私を自分から救って」と懇願しているのか、「ハングオーバー・イン・ア・チャーチ・ピュー」で教会に現れることの意味を振り返っているのか、ジェリー・ロールの一種の宗教は理解、許し、成長の一つである。 。

前作のLP、2021年の『Ballads of the Broken』の生々しさ（「Son of a Sinner」でジェリー・ロールにとって初のNo.1ヒットを獲得した）をさらに発展させて、ホイットシット・チャペルはジェリー・ロールをカントリー・ミュージック界で最も興味をそそられる新星のうちの一人として紹介している。 説得力のあるザラザラとしたボーカルとカントリートラップのビートに支えられた彼の苦悩についての正直な説明は、彼のライブショーを魅力的なパフォーマンスに変え、ファンと歌手自身にほとんど教会のような雰囲気を作り出します。

『ホイットシット・チャペル』が発売された日に、ジェリー・ロールはグラミー・ドット・コムのインタビューで、最新アルバムの制作、司法制度改革への希望、そして自らの救いへの旅について語った。

さて、まずはアルバム発売日おめでとうございます。 今日の気分はどうですか？

ああ、ありがとう。 誕生日よりいいですね。 自分が王様であるプロムを開催しているようなものです。 私はプロムに行ったことはありませんが、おそらくこんな感じだと思います。

今週はリリース・ショーのためにライマン・オーディトリアムを完売させましたね。 そして、何人かの人々がそのショーを教会に行っているような気分だと表現しているのを聞いたことがあります。 あなた側から見てどう感じたのか興味があります。

人々がこれを教会に行くことと比較するのが大好きです。 それが私たちがすべてのコンサートを作ろうとしている方法だと思うからです。 私はいつも自分のショーは、少しのヒップホップ、少しのロック、たくさんのカントリー、そして少しの裏道テントのリバイバルであると言っています。

私たちは古いものと新しいものをすべて混ぜ合わせます。 したがって、デフォルトでは、ジャンルの横断がたくさんあります。 しかし、裏道テントの復活はプロジェクト全体のテーマのようなものです。 それは、昔ながらの「教会に行きましょう、少し騒いでみましょう、ここで少し地獄の火と硫黄を手に入れましょう」です。 そして、どんな良い日曜日の説教にも浮き沈みがあり、泣く瞬間、幸せな瞬間、怖い瞬間、興奮する瞬間があり、私たちはそれを番組で再現しようとしているだけです。

あたかも上で説教しているような気分でしたか？

音楽が説教をしていると思うので、私はただ話すだけです。 私の言っていることが分かるよね？ 音楽は説教で、私はただの執事だと思います。

実際にラップをして人々と共有し始めたのはいつですか?

初めてラップを書いたのはおそらく 10 歳か 11 歳か 12 歳のときでした。そしてそれをすぐに家族と共有しました。 まるで躊躇しなかった。 最初に書いたラップは本当に最悪でした。 そして、私は大きな誇りを持って階下に駆け下り、人々が台所のテーブルの周りに集まり、彼らがそれがまともであるかのように振る舞っているのを見ました。

家族がそうするように。 では、どうやってカントリーミュージックをやることに転向したのですか？

私はカントリー ミュージックが大好きなので、ずっとカントリー ミュージックをやりたいと思っていました。 そして、「3つのコードと真実」が常に私の音楽の前提だったような気がします。 ただ、自分が歌えるとは知りませんでした。 20歳の頃に誰かが私にかっこいい歌声を持っていると言ったら、それが今どこにあるのか想像できませんでした。 自分が歌えることに気づいたのは30代半ばくらいでした。

私はカラオケをしていて、ボブ・シーガーの「オールド・タイム・ロックンロール」を歌っていました。 ステージから降りてきました。 プロデューサーは「おい、自分が歌う曲を作らなきゃいけないよ」って言ったんだ。 そして私はこう思いました。「もし歌えると思っていたら、20年前にそうしていたでしょう。私は歌が下手です。」 彼は「今聞いたのと違います」みたいな感じでした。 私はそれに取り組み始めました、そしてあなたは私がこのアルバムを手に入れたことがわかります ホイットシットチャペルは、私が私の声にどれだけ快適かを聞いて初めてわかるでしょう。

ソングライティングも何もかも、音楽は進化しました。 私の言い方をすれば、音楽がその男を追ってきたということだ。男が変わり、そして音楽が変わった。人間のイオンのこの大きな古いラグは、私がどこにマイクを向けても、音楽を私と一緒に引きずり続けているだけだ。

カラオケをしたその瞬間の後、あなたは「Save Me」を発表しましたが、私はこれがカントリーミュージックへの架け橋だと思います。

それが大きな橋であり、それが 2020 年であり、それが一つになり始めた瞬間でした。 しかし、あなたは歌手としての素晴らしいつながりについて話したいのですね。私は今年「Save Me」の歌い方を学び直さなければなりませんでした。 この話をするのは初めてです。 私が初めて「Save Me」の歌い方を学んだとき、私は自分が歌える限り高い音域で、すべての音に手を伸ばしていました。 今ではそのオクターブ上を歌えるようになりました。 今ではより高い音で歌うようになったので、曲の実際のキーに戻る方法を学ばなければなりませんでした。

それはちょっと意外に思えます。

興味深かった。 ここ 1 ～ 2 年で自分がどれだけ調子が悪くなったかはわかりませんでした。 でも楽しかったです。 涼しくなりました。 勉強中なので、まだ初心者です。 それが私がとても興奮している理由でもあると思います、それは私が音楽理論について本当に少しだけ理解しているからです。 コードの構造がよく理解できるようになりました。 キー、オクターブ、ピッチ、コントロールを理解しています。 これらは、「Save Me」を作ったときにはまったくわかりませんでした。

この移行の一環として音楽理論を勉強していますか?

いいえ、私はできるときに少しギターを弾いているだけで、もっとアコースティックなことをたくさんやっています。 私の娘は小さなピアノと小さなギターを弾きます。 だから私はできることすべてを吸収しようとしているだけです。

宗教にはいろいろなことができると思います。 そして、それはウィットシットチャペルのかなり中心にあります。 あなたと宗教との関係について少し話してもらえますか？

私は本当に、本当に、宗教に反対しています。 私はまったく宗教的ではありません。 しかし、私は霊性を間違いなく信じています。 私の教会に対する見方、そして今の教会に対する見方は、これまで見てきたものとは異なっていると思いました。 それはコミュニティを築き、許しを求め、より良くなろうとする試みとしてその場所に行く大勢の人々であることに気づきました。

そして、正しく行えば、イエス、神、アッラー、そのようなものについてあなたがどう思っているかは気にしません。これは素晴らしいコンセプトですよね？ 人々はより良​​いことをする、より良くなる、そしてコミュニティを築くという考えを持ってここに来ます。 大人になってそれを見ると、私は長い間教会に腹を立てていたので、彼らは時々イエスを間違って描いていたように思いますが、理解して立ち返ると、その精神が何であるかがわかります。

でも、「私はお願いが必要なときだけ神に話します」というようなセリフも書きます。 あなたが今言ったことで、そのセリフの本当の緊張感を修正してもらえますか？

そうですね、ある日、教会の裏に座って礼拝音楽を聴いていました。 そして、それと自分の歩みや精神性がどのような状況にあるのかを理解することができません。 そういう観点から見てみると、「私とのつながりは何だろう、神への私の歌はどう聞こえるだろうか？」と思うでしょう。

そして、私はそれが「私はお願いが必要なときだけ神と話します。私は祈りが得られないときだけ祈ります。」のように感じます。 ["Need a Favor"] の 3 行目は、私にとって最も強力な行です。「それで、私はいったい何者でしょうか。救いを期待できる私は一体何者ですか?」 その行にある「期待する」という言葉、その権利について考えてみましょう。 それは私が教会をどのように見ているかについて正直に述べただけであり、その後に神との個人的な歩みがありますが、それらは明らかに異なります。 だから私にとって、それはその精神で音楽を作ろうとしていることだった。

それでは、このアルバムに子供時代を過ごした教会の名前を付けたのはなぜですか?

それは、私がベイリーと一緒に彼女の教会に行ったときに始まりました。 ベイリーは私の娘です。彼女は 14 歳で、教会に通い始めたとき、バプテスマを受けたいとほのめかしていました。 [私は思った]、そうですね、彼女がどんなカルトに行っているのかを見に行こうと思いました、なぜなら当時の私は教会についてそのような見方をしていたからです。 そして私はそこへ行き、その壁の中にも本物が存在する可能性があることを思い出しました。 彼女と彼女の友達全員を見ていると、何よりも人間性、思いやり、許し、愛、コミュニティを思い出しました。

そして、私は14歳のときに自分がどこにいるのかについて考え始めていました。私も小さな教会に行くつもりです、丘の上の小さな裏道にあります、これらの小さな類似点があります。 ベイリーは初めてマリファナを経験し、マリファナに手を出しました。私は最近彼女を捕まえました。 同じ年齢の頃、私はマリファナに手を出し、トラブルを抱えていました。 それはただ反省しただけだった。

そして、償還について考え始めます。 宗教の外では、救われることができるという考えは素晴らしい考えです。 私たちが誰だったのかは、今の私たちではないという考えは非常に強力です。 その瞬間、私はこう思いました。「私の宗教の旅、精神性の旅、救いの旅、悪行の旅を概説するような、コンセプチュアルなアルバムを書きたい」 ホイットシットチャペルで洗礼を受ける14歳の子供から、14歳の息子が洗礼を受けるのを見守った39歳の男性に至るまで、これらすべてに対する私の見解です。

そして、14年はあなたにとってかなり大きな年、少なくとも複雑な年だったと思います。 あなたの娘さんは14歳ですが、それはあなたにどんな影響を与えましたか？

それが私が行動に移そうと思った理由です。 バプテスマを受けたのと同じ年に私は逮捕され、その後10年間に及ぶ投獄と出獄のサイクルが始まりました。 そして、彼女はより良い場所にいます。 彼女は私がその年齢でこれまでにいなかった、あるいはおそらくこれからもそうなるであろうよりもはるかに優れています。 しかし、それが麻薬の原因でもありました。なぜなら、これが時代であることを私は知っているからです。 私はいつも人々と話しています。 「子育ての中で最も重要な時期はいつだと思いますか？」 私は「毎日です。でも窓口があれば14時から18時までです。」と言いました。

そしてライマンショーで、あなたは牧師と話すためにホイットシットチャペルに戻ることについて話していましたね。 あなたが戻ったとき何が起こりましたか、そしてあなたがアルバムにその名前を付けたことについて彼らはどう感じていますか？

それは私の物事に対する信頼を取り戻しました。 彼らは私の記録を取り出し、バプテスマを受けたいと願う14歳のジェイソンの手書きの写真を送りました。カードに記入する必要があります。 そしてこの教会はその記録を24年間保管し続けています。 クレイジーですよね？ だからその時点で、私は彼らに会いたい、少し彼らを愛してもいいですか？ 私は座ってケン牧師に会って、彼のスタッフの他のメンバーにも会いに行きたかったのです。

彼らがアルバム全体についてどう思うかを聞くのが楽しみだ。 彼らが大好きだった曲をいくつか演奏しました。 彼らの正確な言葉は、「彼が私たちのことを考えてくれて本当にうれしいです。私たちは彼のことを考えています。私たちは彼を愛しています。私たちは彼のために祈っています。私たちは彼のことを誇りに思っています。」でした。

今後数週間の私の目標は、日曜日に立ち寄って彼らを驚かせることです。 たぶん今週の日曜日に行くべきです。

そのタイミングって何かありますよね？

そうですね、それについては何か皮肉なことがあります。

カントリーアルバムをリリースした今、あなたは自分自身をカントリーアーティストとして完全に認識していますか？

私は間違いなく自分自身をカントリーアーティストだと思っています。 100パーセント。 私の妻はかつて私に、オハイオ州以北のどこかで私が「アメイジング・グレイス」を歌ったとしても、人々は私のことを田舎者だと言うだろうと言いました。 彼女はこう言った、「あなたは自分が歌っているときはカントリーっぽいと思っていないかもしれないけど、私はラスベガス出身で、あなたはカントリーっぽいです。あなたが家の中で歌を歌っているとき、例えばケイティ・ペリーの歌とか、家の周りで何かおふざけしているときは、あなたはあなたをバカにしています」健全な国。」 妻はいつもそのことで私をいじめてきました。

まあ、もしあなたが今カントリーアルバムを出しているとしたら、冗談は彼女にあるかもしれない。

すごくないですか？ 彼女はそれを愛しています。 彼女がする私のお気に入りのことは、彼女が私の延々と話すとき、そして彼女が夫の印象を与えるとき、それは最高です。

これらの曲は誰に向けて書きましたか?

私は人生の二重性に対処している人のためにこれらの曲を書きました。 日曜日の礼拝の話に戻りますが、私は土曜日に何度も出かけて、過剰な奉仕をしてきました。 日曜日の朝、私は何度も起きて現れました、それが人間の二面性です。

これもまた「Son of a Sinner」のようなものです。 それは常に正しいことと間違っていることの間のどこかにあるということです。それがまさに私が住んでいる場所だと思うからです。私は自分の心が純粋であることを知っています。 私は自分の精神が正しいことを知っています。 また、私が本当に政治的に間違ったジョークを言っているということも知っています。 そして時々パーティーをします、そして私は少し愚かでとんでもないです。 しかし、私の心は奉仕の人になり、人々を助けることであることも知っています。 だから私はそういう人たち、傷ついた男のもがく詩人のために書いている。 常に声なき者の代弁者になろうと努めています。

そしてアルバムの最後は本当にその場所「Hungover in a Church Pew」で終わりますよね？

はい、それはアルバムにおいてそのように重要でした、なぜなら私にはそれが必要だったからです。 なぜなら、それが「The Lost」のように聞こえる瞬間があるからです：「私は自分のような人々を見つけることが知られています/彼らは教会の尖塔の下に住んでいません。」 しかし、このアルバムのこの旅全体を通しても、すべての「ホールド・オン・ミー」、アルコールとの闘い、妻へのラブソング、「セーブ・ミー」、「ニード・ア・フェイバー」、「ダンス・ウィズ・ザ・デビル」。 そうしたすべてを経た後でも、私はまだ、あの陽気でミッドテンポの二日酔いの「ステンドグラスの窓に降り注ぐ太陽光線、その火と硫黄を説教する説教師の男」への道を見つけた。 だから私にとって、それはクールだった。なぜなら、「あなたの火と硫黄の音が聞こえた」ような気がしたからだ。 私はいつも救いを探しています。

それと道の真ん中も、片足が2か所にありますよね？

その通り。

もっとあなたのバックストーリーに興味があります。 あなたは自分が囚人であることを本当にオープンにしていますね。 そしてそれはあなたのアイデンティティの中心となるものです。 それをあなたのアイデンティティの最前線に置いておくという選択に興味があります。

そうですね、いつも思い出します。 だから、人は変わることができるということを人々に思い出してもらいたいということを常に思い出しながら、私の今の目標は何かだと思います。 4か月前に家を購入しようとしたのですが、重罪を理由に断られました。 今日も対応中です。

今はむしろ、その大義に注目を集め、ある種の司法改革を行うことが重要だと思います。 私が16歳の時に犯した、言い逃れのできない重罪。 ご存知のとおり、私は過去20数年間、そのことに反対すべき男のようには考えていませんでした。

それで、それについて人々に理解してもらいたいのは何ですか？

懲戒や更生に力を入れるのであれば、少年制度を見直すだけでいいと思います。 そしてそれはアメリカにおける麻薬中毒のパンデミックにも当てはまると思います。 私たちはリハビリテーションに適切に注意を向けていますか? 代替手段はまだ見つかっているのでしょうか? 麻薬戦争は負けた戦争だったということを受け入れられるでしょうか？ 私の話は、それらのトピックに注意を向けてもらうための単なる試みです。 そして私が言いたいのは、それがすべての人に当てはまる画一的なものではないと思うということです。 同様に、私の重罪に至るまで、これらのことはケースバイケースであるべきだと思います。

最近のブリヂストンアリーナ公演の収益を寄付することになりましたね。 それはさまざまな青少年プログラムに対するものですか、それともあなたが収監されていた少年院に対するものですか？

私がいた拘置所にスタジオを建て、地元の高校生数名に奨学金も与えました。 私は、危険にさらされている若者を投獄されている子供たちだけに限定したくありませんでした。 なぜなら、まだその決断をしていないだけでなく、どうやって大学に行くのかもわからない、危険にさらされている子供たちがいると私は信じているからです。 そういった悩みも解決していきたいと思っています。

そのお金で何ができるかという希望はありますか？

私の願いは、子供たちが音楽を作成し、自分自身を表現するための安全な空間を作り出すことができることです。 でも、これは私にとってもっと大きなことで、10 年計画があり、それを変更したいと思っています。 グループホームを開きたいし、最終的にはアフターケアプログラムやコミュニティセンターも開きたいです。 私がいた少年施設に他の貿易の仕事を持ち込みたいと思っています。 私が音楽を始めたのは、それが自分の知っていることだからです。 しかし、私は、理容や溶接など、できる限りのことを取り入れて、この子供たちに別の方法があるかもしれないことを理解してもらいたいと考えています。

それはあなたがここまで来たからですか？

それは私がこれまでやってきたこと、そして恩返しする能力のおかげだと思います。 助けたいです。 あなたの人生がこれほど劇的に変わったのに、助けようとしないなら、あなたは何者ですか？

音楽を作り始めた頃とは違う自分になったように感じますか？

私はまったく違う人間です。 音楽でそれを聞くことができます。 証言を見ればわかります。 いや、今日は一週間前よりも良くなっていると言えることを誇りに思います。 私は意識的に決断や選択をし、自分に足りなかった点に気づきました。 私は毎日自己棚卸を行っています。

それは、さまざまなプログラムを通して私が学んだ考え方、物事を振り返り、毎日自己棚卸しをするという概念です。 「言ったことを後悔していますか? 誰かに電話しませんでしたか? 言うべきことを言わなかったでしょうか?」 それはあなたに感謝し続けるでしょう。 それはあなたを謙虚に保つことにもなります。 なぜなら、棚卸しは単に「自分は何に感謝しているのか？過去 24 時間で感謝している出来事は何だろう？」ということだけになるからです。

この 24 時間、あなたには感謝すべきことがいくつかあるかもしれません。

おっと、この 24 時間は詰まっています。 週末まで連れて行ってくれます。 今では、多少の失敗は許されています。 いや、冗談だよ。 そのバランスですよね？ 「大丈夫、一晩の無謀を勝ち取ったみたいだ。」

さて、日曜日が来ますね？

アーメン。

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写真：ピーター・ワフジッヒ/ゲッティイメージズ

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最近リリースされたアルバム『But Here We Are』で、デイヴ・グロールと仲間たちは、痛みを伴う喪失と猛烈な立ち直りの両方について、心を掴む告白をしている。 11 枚目のアルバムを記念して、フー ファイターズの最も重要なトラック 10 曲を再確認します。

現代ロックの最も重要な主力の 1 つであるフー・ファイターズは、ほとんど神話のような歴史を誇っています。 ニルヴァーナの壊滅的な終焉後の1994年にデイヴ・グロールのワンマン・バンドとして始まったこのバンドは、30年に及ぶカタログを持つ独創的なバンドとなった。

このグループは現在、グラミー賞のベスト ロック アルバム部門で最多受賞記録を保持しており、2000 年 (There Is Nothing Left to Lose)、2003 年 (One By One)、2007 年 (Echoes、Silence、Patience & Grace) で受賞しています。 2012年（Wasting Light）と2022年（真夜中の医療）。 2023年のグラミー賞では、『メディシン・アット・ミッドナイト』が最優秀ロック・パフォーマンス賞（「メイキング・ア・ファイアー」）と最優秀ロック・ソング賞（「ウェイティング・オン・ア・ウォー」）も受賞した。

最近リリースされた11枚目のスタジオアルバム『But Here We Are』は、ドラマー兼ボーカリストのテイラー・ホーキンスが昨年亡くなった後のファセットの最初のプロジェクトである。 1997年にフー・ファイターズに加入し、グループ内でクリエイティブな原動力となるホーキンスは、世界中のミュージシャンやファンから追悼された。 ロンドンとロサンゼルスでホーキンス家とフーが主催したトリビュートコンサートは、彼の功績に優雅に敬意を表した。

グロールと仲間たちは、「But Here We Are」で集団的な悲しみを何とか乗り越えた。 このプロジェクトは、痛みを伴う喪失と猛烈な立ち直りの両方について、心をつかむ告白として機能します。 彼らの最新の取り組みを讃えて、GRAMMY.com ではフー・ファイターズの最も重要なトラック 10 曲をリストアップしています。

カート・コバーンの死から1年後にリリースされたフー・ファイターズのデビュー・アルバムは期待に満ちていた。 「カートを失ったことは衝撃的で、彼の死後は音楽が怖かった」と彼は2014年の『60ミニッツ』のエピソードでアンダーソン・クーパーに語った。

グロールはこのレコードは悲しみのはけ口にすぎないと主張したが、これが彼の輝かしいキャリアの始まりとなった。 プロジェクトからの最後のサッカリンシングル「ビッグ・ミー」は、ドラマーからフロントマンに転身した彼が、間違いなくヒットするキャッチーな曲を作る才能を持っていることを証明した。

このトラックの不気味な性質は、グロールがアルバムについてあまり深く考えていなかったことの結果だが、その本質的にシンプルなアプローチは、メントスのコマーシャルをパロディ化したことで有名なこの曲のビデオにまで波及し、素晴らしいものの始まりとなった。

フー・ファイターズのこれまでで最も爽快な瞬間のひとつは、ラブソングの形で登場する。 バンドの2作目からの2枚目のシングルである「Everlong」は、その穏やかでメロディックなコードでリスナーを引き込み、うだるようなパーカッションと胸を締め付ける叙情で注意を引きつけ続けます。

「Everlong」は、ロマンチックなパートナーと非常に調和しており、その関係の結末が完全に壊滅的であることについての曲です。 「降りてきて、私と一緒に無駄に過ごしてください」とグロールは静かに歌います。 「ダウン・ウィズ・ミー/ゆっくり、あなたが望んでいたように/私は頭がおかしくなってしまいました/頭から離れて、彼女は歌いました。」 彼は1998年の「ザ・ハワード・スターン・ショー」で初めてこの曲をアコースティックで演奏し、グロールはオーツ・ソング・フェスト7908でのパフォーマンス中に「この曲に全く新しい生まれ変わらせた」と語った。

「Breakout」はバンドの 3 枚目のアルバム『There Is Nothing Left To Lose』の両方に収録されており、グロールのグランジ ルーツを伝える熱狂的なパンク エネルギーに満ちています。 批評家たちはこのアルバムを賞賛し、フースのよりメロディックなアンセムへの顕著な進歩を指摘したが、この素早いヒット曲は、20年以上前に受けた誇大宣伝に値するものであり続けている。

この曲はジム・キャリー主演の 2000 年のコメディ映画『ミー・マイセルフ・アンド・アイリーン』にも登場し、数名のスターがミュージック ビデオに出演しています。 「There Is Nothing Left To Lose」はラジオのヒット曲「Learn To Fly」にも拍車をかけ、2000 年にグラミー賞最優秀短編ミュージックビデオ賞を受賞しました。

フー・ファイターズの4枚目のスタジオ・アルバムは、バンドの歴史の中で激動の時代を画した。 個人的な問題とは別に、グロールはちょうどクイーンズ・オブ・ザ・ストーン・エイジの「ソングス・フォー・ザ・デフ」のドラムをレコーディングしたところであり、その後のツアーのためにグループに加わった。

フーの運命は不明のままだったが、2002年のコーチェラでの凱旋パフォーマンスはメンバーに自分たちの将来について新たな展望を与えた。 「『タイムズ・ライク・ゼー』は基本的に、バンドがその2、3ヶ月間失踪し、自分が完全に自分ではなくなってしまったと感じることについて書いたものだ」とグロールは2011年のグループのドキュメンタリー『Back and Forth』で述べている。 「私はただ思ったんだ、『分かった、私はバンドでいることをまだ終わっていない。彼らがそうしているかどうかは分からないが、私はまだ終わっていない』。」

その歌詞の単純さと、恐ろしいほどの誠実さ（「こんな時こそ、あなたは再び生きることを学ぶ/こんな時だからこそ、あなたは与え、また与える」）により、この曲は愛、連帯感、そして希望を体現するものとなった。

「もう一つ告白しなければならないことがある/私はあなたの愚か者だ」とデイヴ・グロールは「ベスト・オブ・ユー」のリベットのようなオープニングで高らかに吠えている。 彼の宣言の後には、「あなたは抵抗するために生まれたのか、それとも虐待されるために生まれたのか？」という実存的な命題が続きます。

『In Your Honor』のリード・シングルは感情が豊かで、フーのフロントマンは元気よく反抗的で、彼の言葉を聞いている人たちにも同じようになるよう励ましている。 「ベスト・オブ・ユー」は、グロールが2004年の民主党大統領選でジョン・ケリーの選挙運動に何度か出演した後に書かれたため、その感情は政治的なものであった。

「これは政治的な記録ではないが、私が見たものは私にインスピレーションを与えた」と彼は2005年にローリングストーン誌に語った。「それは自分を縛るものからの脱却についてのものだ」 「Best of You」は、米国でプラチナステータスに達した唯一の曲です。

グループの最もチャートで最高の成績を収めた曲の 1 つは、2007 年の『Echoes, Silence, Patience & Grace』に収録された「The Pretender」でした。 この曲でのグロールのソングライティングは不気味なほどのもので、導入部の荘厳なコードが次の歌詞に取って代わられる。「骸骨を送り込んで/彼らの骨が再び行進していくように歌って/彼らはあなたを深く埋めなければならない/あなたが守る秘密は常に用意されている。 」

よりヘヴィなリフと脈動するパーカッションが、まさに聴覚体験をもたらします。 「The Pretender」の完璧なペースのクレッシェンドは、適度なサスペンス感を与え、フーのディスコグラフィーに欠かせないものとなっています。

2012 年、Wasting Light は最優秀ロック アルバムを含む 4 つのグラミー賞を受賞しました。 「ホワイト リムジン」がベスト ハード ロック/メタル パフォーマンス賞を受賞しましたが、それには十分な理由がありました。

フー ファイターズの 7 枚目のスタジオ アルバムからの 2 番目のシングルは、原初の叫び声と旋風のリズムが詰まった猛烈なナンバーです。 「ホワイト・リムジン」はこれまでの彼らの最も騒々しい曲の一つであり、グループは最高のモーターヘッドの印象を与えている（ミュージック・ビデオへのレミー・キルミスターの出演は最終的な承認の証となっている）。 このグループは、ヘヴィメタルトラックでの攻撃性を最大限に高めることに意図的であり、「White Limo」を彼らの膨大なカタログの中で稲妻に相当する音にした。

2017 年の『コンクリート アンド ゴールド』は、ホイールを再定義するものではなく、ホイールを完璧にするものでした。 グループの 9 枚目のスタジオ アルバムは、これ以上ないくらいロックン ロールです。

「Sunday Rain」にはポール・マッカートニー、「Concrete & Gold」にはボーイズIIメンズのショーン・ストックマン、「The Sky Is a Neighborhood」と「La Dee Da」にはザ・キルズのアリソン・モシャートなど、記憶に残るゲスト出演が多数あった。

アルバムのベストトラック「Make It Right」は、クレジットされていないが、音響的に不快なジャスティン・ティンバーレイクのカメオ出演をフィーチャーしている。 それでも、グロールはレッド・ツェッペリンに敬意を表し、よりヘヴィな領域へのコラボレーションの冒険は報われた。 ロック界の伝説的人物の影響が、不規則な挑発や砕け散るリフの形で「Make It Right」全体ににじみ出ています。 ティンバーレイクは追加のボーカルでバックグラウンドに忍び込み、フーの公式を決して変更しないように注意しています。

フー・ファイターズの10枚目のアルバム『メディスン・アット・ミッドナイト』は、ロッカーズにとって爽やかな調子への回帰となった。

グロールの娘の会話をきっかけに作られた「Waiting on a War」は、アメリカの不気味な未来に対するグループの思索を具体化した。 4分にわたってグロールは「空が落ちるのを待っている」と述べているが、彼の憂鬱な思いは最終的に、アコースティック・ギターのコードを奏でる切なげな歌から、ゴロゴロと喉をフルに鳴らした猛烈なアウトロへと変化する。 フーの大胆なアプローチにより、彼らは 2022 年のグラミー賞最優秀ロック ソング賞を受賞しました。

But Here We Are からの感情豊かな最初のシングル「Rescued」の力は、落胆の感情を綴った歌詞だけでなく、グロールの表現にも依存しています。

「僕らは皆、ある程度は自由だ／光の下で踊ることも」と彼は歌う。 「私はただ救われるのを待っています/私を生き返らせてください。」 彼の声は疲れと活力の間で弱まり、渦巻くギターと空気のような蓄積がバンドとリスナーの両方にカタルシスをもたらします。 「Rescued」の脆弱性は、「The Color and The Shape」や「In Your Honor」などのアルバムで聴かれる興味深い自己認識を導きます。 しかし、この曲はフーにとって新たな章を表しており、彼らの痛みに真正面から立ち向かう曲でもある。

フー・ファイターズは不滅の音楽界の巨人だ。 しかし、テイラー・ホーキンスの死は、彼らも人間であることを示している。